28 de septiembre de 2008

Nirvana "In Utero" (1993)

utero
Después de mucho andar, volví a escuchar el viejo y querido Grunge. ¿Qué es eso, preguntarán los más niños? Lo que se me ocurre en este momento es que no es ni más ni menos que Rock.
Si bien es cierto que algunas bandas estaban más relacionadas con el Punk, no deja de ser menos cierto que por ello no sea Rock.
Allá, hace tiempo, a comienzos de la década del '90, había un sinfín de bandas de Grunge, que según la prensa especializada, fueron las que le dieron muerte al Metal...nada más falso. Dentro de ese grupos de bandas que supuestamente pertenecían al mismo estilo, encontrábamos propuestas tan disímiles como Pearl Jam (ya llega "Ten", paciencia), Soundgarden (más viejos que el resto, con unos cuantos discos increíbles), Smashing Pumpkins, Alice in Chains y un larguísimo etcétera. De entre las que estaban más cerca del Punk, sobre todo en su espíritu anárquico, evidentemente no puedo dejar de mencionar a Nirvana.
En este caso, me refiero al último disco de estudio, y para mi, por lejos el mejor de la banda. Habría que situarse en el momento en el que la banda pegó el salto a la masividad con su irónico/único "Nevermind". Obviamente que es imposible competir en términos de masividad con semejante disco, y Kurt Cobain tampoco quería hacerlo. De hecho, el productor contratado (Steve Albini), le dio un sonido tan sucio y analógico al disco que dejó boquiabierto a más de uno (entre los que me incluyo), ya que sonaba mucho más crudo que lo que suponía que iba a hacer la banda, sobre todo grabando para una "discográfica" grande como Geffen.
Pero no, Cobain estaba cansado de su público adolescente que gritaba como una quinceañera en celo ante cada tema de "Nevermind"....estaba hasto, inclusive harto de la industria, que lo utilizaba como un monigote para cuanto evento hubiera: Se lo ve desganado, aunque muy melancólico e introspectivo en el recital acústico brindado para la MTv, que fuera editado poco tiempo antes de su trágica muerte.
Las canciones hablan por si solas, y el video de "Heart Shaped BOx", que fuera elegido como "corte de difusión" no podía ser más oscuro y retorcido...y eso rotaba por la cadena MTv. Las letras cargadas de más ironías y hastío que los dos discos anteriores de la banda, muestran la postura de la banda y de Kurt particularmente, respecto de esa parte del público que lo único que quería era una parte de él, un pedazo de Cobain....cosa que un año después quedo claro que no estaba dispuesto a ceder. "Serve The Servants", "Rape Me"( Rape me, rape me my friend.... terrible...)."Dumb" poniendo un poco de sosiego frente a tanta distorsión y violencia de las demás canciones. Las canciones se suceden ("Pennyroyal Tea", que canción hermosa la verdad) y ya queda claro que Nirvana no solo es la banda de Kurt Cobain, sino que el baterista (Dave Grohl) y el bajista (Novoselic) tienen muchísimo que ver: por dios ese sonido crudísimo y casi amateur de la batería en "Radio Friendly Unit Shifter", con sus acoples y guitarras desgarradas casi tanto como la voz de Kurt....una jodita para las emisoras de radio pertenecientes al Mainstream: esta canción es lo menos amigable que pudiera haber hecho Nirvana en el disco; ni hablar de "Tourette's", en donde Cobain se desgañita la garganta llegando a su límite y demostrando que podía sonar más crudo y violento si tenía ganas. Y al final, una hermosa balada "All Apologies", para descomprimir la tensión generada a lo largo del disco, siguiendo la tradición de Led Zeppelin que finalizaba todos sus discos con una canción tranquila. Una disculpa hecha canción, tal vez por adelantado a lo que haría poco tiempo después privandonos de seguir disfrutando de más música compuesta por este gran músico y sus dos amigos/compañeros de ruta...quienes con el tiempo demostraron que no eran un simple numerito pasatista de una gran compañía discográfica.
Un disco valorado mucho después de que muriera Kurt Cobain y el más completo de su corta pero intensa discografía.

The Gathering "An Imaginary Simphony-demo" (1990)

demo
¿Quién hubiese imaginado que esto se transformaría en lo que hoy ya es una banda consagrada?Mi respuesta es: nadie.
En plena época del auge del Death Metal, este demo dentro de todo, no suena mal, aunque las voces dejan muchísimo que desear...(de todas formas prefiero éstas a las del segundo disco de la banda: "Almost a Dance", que son sencillamente espantosas.).La canción que abre el demo aparecería en el espectacular primer disco "Always", obviamente mejor producido y con unos teclados por demás sugerentes, que se dejan oír en este demo. La intro psicodélica que se escucha en el segundo tema del demo también sería utilizada en "Always", en otro tema por supuesto.
Por lo demás, 5 canciones que para los coleccionistas son fundamentales, aunque si tomamos lo que después grabaran estos músicos, no tiene mucha relevancia. Básicamente, un demo más de una banda que por ese entonces practicaba Death Metal, y actualmente un espectacular Trip-Rock, recomendado a todos aquellos que disfruten de la música en serio. Por ahora y haciendo un poco de historia, escuchen el demo, que dentro de todo zafa.

26 de septiembre de 2008

Miles Davis "Bitches Brew-The complete sessions" (1969)

leyenda
No se por donde empezar. Es una experiencia inigualable escuchar a Miles. Pero este pedazo de historia va más allá de cualquier límite, frontera o como se les ocurra llamarle. Ya llevo más de tres semanas escuchando una y otra vez, todos los días, y a cada segundo que pasa le encuentro más cosas.
Me pregunto: ¿quien hizo semejante bestialidad, y tuvo la audacia de plasmarla en un disco? (bueno, en realidad son 4!!!). Los nombres asustan, impresionan...y la música no se queda atrás obviamente.
Los experimentos sonoros se suceden sin piedad para el oyente, que requiere hacer un esfuerzo mayúsculo para, de un tirón, escuchar y asimilar todo lo que hay en el disco...pero, me olvidaba de los músicos. Veamos: obviamente el gran Miles en trompeta (¿será realmente una trompeta, o algún instrumento similar al que los extraterrestres le dejaron a Hendrix hace años?); Chick Corea (piano eléctrico), Harvey Brooks (Bajo, bajo eléctrico y contrabajo), Jack de Johnette (Batería), Dave Holland (Bajo), Bennie Maupin (clarinete), John McLaughlin (Guitarra y guitarra eléctrica), Airto Moreira (percusión), Jim Riley (percusión), Jumma Santos (percusión), Don Alias (percusión), Wayne Shorter (saxo soprano), Lenny Withe (batería), Larry Young (piano eléctrico) y Joe Zawinul (órgano y piano eléctrico). También hay otros músicos involucrados en las sesiones, encargados de tocar el sitar, y otros instrumentos.Uno podría decir muchas cosas de todos estos músicos: Por ejemplo, Harvey Brooks formó parte de las sesiones del disco increíblemente rockero de Bob Dylan, "Highway 61 Revisited".
Dave Holland es hoy por hoy, uno de los contrabajistas más interesantes que hay en el ambiente y su quinteto (que grabara el maravilloso "Critical Mass" en el año 2006) es uno de los mejores que existen en la actualidad. En el pasado tocó con gente del calibre de Stan Getz, Thelonius Monk (otro genio del Jazz), el mismísimo Anthony Braxton, Herbie Hancock, y un larguísimo etcétera. También participó en las sesiones de otro disco antológico de Davis, "In a silent Way Sessions".
Zawinul se podría decir que es un "activista" del Jazz-fusión, desde hace muchos años ya. Fundó, de hecho, junto con Wayne Shorter y el bajista Miroslav Vitous la banda de Jazz Rock Weather Report. Un punto a destacar es que es un músico de formación clásica, pero que siempre se interesó por los distintos tipos de sonidos que estaban dando vueltas por ahí, tratando de renovar constantemente las formas musicales con las que se metía.
De Chick Corea no se puede decir demasiado, ya que los proyectos en los que participó son innumerables, lo mismo que John McLauglin; de todas formas ambos formaron a continuación de sus respectivas participaciones con Miles las bandas Return to Forever y The Mahavishnu Orchestra, a las que se podría catalogar como bandas de Jazz-rock, y/o progresivas. Un disco realmente importante para mi de John es el famoso "Friday Night in San Francisco", un trío acústico de fusión llevado a cabo junto con otros dos grandes de la fusión y el flamenco: Al Di Meola y Paco de Lucía.
Y aquí es donde reside la importancia histórica de este disco. De este conjunto de músicos dirigidos por el trompetista e improvisando a lo largo de sesiones que duraban un día entero( por ejemplo), surgió un nuevo estilo, con autonomía propia, llevado adelante en sus comienzos por los músicos que habían participado en la grabación de "Bitches Brew" (también de "In a silent Way"): el Jazz Rock.
Justamente a partir de ese disco es que Miles empieza a cambiar, comienza a interesarse por otros sonidos, aunque sin perder el que lo caracterizaba; es decir, se interesa en ampliar el espectro de sonidos que se pudiere utilizar en su música, al tiempo de que la misma cambia (hay un acercamiento al mundo del Rock). Este acercamiento al mundo del Rock no dejó de molestar a un gran número de fans que lo acusaban de haberse vendido (el que escuche este disco completo se dará cuenta de lo estúpida de esta afirmación, ya que no hay nada menos radiable que las canciones que componen el mismo). De hecho, en los planes de Miles estaba hacer un disco con el Gran Jimi Hendrix, que se vió truncado por la muerte de este último (¿cómo hubiese sonado semejante disco, se imaginan?).
Un disco complicado, profundo, experimental, por momentos sumamente delicado, y en otros tan violento que cuesta seguirle los dibujos y las improvisaciones que llevan a cabo estos locos todos juntos (por momentos llega a haber dos bateristas tocando al unísono-cosa que ya había hecho a comienzos de la década del '60 el inventor del Free Jazz, Ornette Colemann). Un tratado de sonidos perpetrado por la crema del Jazz de esos años.
Las sesiones en las que se grabó este disco incluyen: el 19 Agosto, 1969: Miles Davis, Wayne Shorter, Bennie Maupin, John McLaughlin, Chick Corea, Josef Zawinul, Dave Holland, Harvey Brooks, Jack DeJohnette, Lenny White, Charles Don Alias, Jumma Santos. En Agosto 20, 1969: Miles Davis, Wayne Shorter, Bennie Maupin, John McLaughlin, Chick Corea, Josef Zawinul, Dave Holland, Harvey Brooks, Jack DeJohnette, Jumma Santos.
El 21 de Agosto, 1969: Miles Davis, Wayne Shorter, Bennie Maupin, John McLaughlin, Chick Corea, Josef Zawinul, Larry Young, Dave Holland, Harvey Brooks, Jack DeJohnette, Lenny White, Charles Don Alias, Jumma Santos.
En Noviembre 19, 1969: Miles Davis, Steve Grossman, Bennie Maupin, Herbie Hancock, Chick Corea, John McLaughlin, Khalil Balakrishna, Bihari Sharma, Ron Carter, Harvey Brooks, Billy Cobham, Airto Moreira. En Noviembre 28, 1969: Miles Davis, Steve Grossman, Bennie Maupin, Herbie Hancock, Larry Young, Chick Corea, John McLaughlin, Khalil Balakrishna, Bihari Sharma, Dave Holland, Harvey Brooks, Jack DeJohnette, Billy Cobham, Airto Moreira.
En las sesiones del 27 de Enero, 1970: Miles Davis, Wayne Shorter, Bennie Maupin, Chick Corea , Josef Zawinul, John McLaughlin, Khalil Balakrishna, Dave Holland, Billy Cobham, Jack DeJohnette, Airto Moreira. En Enero 28, 1970: Miles Davis, Wayne Shorter, Bennie Maupin, Chick Corea, Josef Zawinul , John McLaughlin, Dave Holland, Billy Cobham, Jack DeJohnette, Airto Moreira. Y, por último en la sesión del 6 de Febrero, 1970: Miles Davis, Wayne Shorter, Chick Corea, Josef Zawinul, John McLaughlin, Dave Holland, Jack DeJohnette , Billy Cobham, Airto Moreira. (gracias a http://www.tomajazz.com/). Evidentemente, los músicos involucrados, darían más para un libro que para una simple reseña. Lo importante, creo, es lo que entre todos lograron producir: este disco(s) maravilloso, indescriptible y constantemente reseñado en todos los lugares imaginables, y objeto de las discusiones más encarnizadas entre amantes de los distintos estilos de Jazz.
Un disco que tiene innumerables versiones: en vinilo salió en formato doble, incluyendo sólo las sesiones de Agosto del '69, que también salió editado en cd, con las mismas sesiones. A fines de los '90 salieron 4 cd's con las outtakes y demás cosas de las sesiones del '69 y las de los '70. Escuchen y saquen sus propias conclusiones, que ya escribí demasiado, y tengo que volver a escuchar "Bitches Brew".

Thelonious Monk "Monk's Dream" (1962)

sueño

¿Se quieren divertir? ¿Quieren sonreír mientras escuchan un poco de buena música? No les queda otra salida, entonces que escuchar este disco (aunque no el único) de Monk.
Como yo de composición no sé absolutamente nada, sino simplemente disfrutar la música a la que de apoco voy teniendo acceso, mis comentarios se centran justamente en eso, en el disfrute de la música. ¿Y qué mejor que Monk para disfrutar? Estamos frente al primer disco que grabara este cuarteto para Columbia Records.
Me los imagino a los cuatro sonriendo de la misma forma que yo lo hago mientras tocan estas hermosas 8 canciones. Todas tienen un Swing fantástico, un groove que solo los grandes son capaces de infundirles a sus ejecuciones
Y ocurre casi en la totalidad de los discos de este pianista maravilloso, empiezan a sonar y automáticamente uno empieza a mover casi instintivamente las manos chasqueando los dedos, al tiempo que marcamos el tiempo con los pies. Y así a lo largo de 46' 51''.
Simplemente un hermoso disco de este cuarteto integrado por el mismo Monk en piano, Charlie Rouse en saxofón tenor, John Ore en contrabajo y Frankie Dunlop en batería. Sinceramente a los demás músicos no los conozco tanto como a la música de Monk, aunque es algo que lo voy a solucionar en poco tiempo
Por lo pronto, acá les dejo esta maravilla para que la escuchen acompañados de un buen licor y un buen habano, como si estuvieran en algunos de esos tugurios de Jazz donde toda esta gente tocó a lo largo de tantos años.

23 de septiembre de 2008

Liliana Bodoc "La Saga de los Confines-Los Días del Venado"

Liliana Bodoc es una escritora argentina, excelente por cierto.
"La Saga de los Confines" es una trilogía escrita por ella que describe un mundo fantástico constituído por dos continentes: Las Tierras Fértiles y Las Tierras Antiguas.
"Los Días del Venado", que es la primer novela de Liliana Bodoc se desarrolla justamente en Las Tierras Fértiles, una tierra maravillosa, llena de criaturas extrañas y Brujos (el más relevante aquí es Kupuka), y sus habitantes están distribuídos a lo largo y a lo ancho de todas las tierras. Cada uno tiene sus particularidades, sus formas de vida y de relaciones con los demás; inclusive entre las mismas razas que pueblan estas vastas tierras hay enfrentamientos y desconfianzas....pero hay algo que va a impulsar a que todas (o la gran mayoría) se unan en pos de una empresa complicadísima. Así, encontramos Lulus, Mujeres-peces, Pastores del Desierto, Los Hijos del Sol, y los habitantes de Los Confines los husihuilkes (que personaje fabuloso Dulkancellin), los zitzahay...cada raza tiene sus líderes, y sus propios problemas políticos-económicos; a su vez entre ellas hay cuestiones sin zanjar que llevan años... pero La Muerte hará que esto cambie.
La Muerte es la que "desobedeciendo el mandato de no eengendrar jamás otros seres, hizo una criatura de su propia sustancia. Y fue su hijo, y lo amó. En ese vástago feroz, nacido contra las Grandes Leyes, el Odio Eterno encontró voz y sombra en este mundo.
Sigilosa, en la sima de un monte olvidado de las Tierras Antiguas, la Muerte brotó en un hijo al que llamó Misáianes. Primero fue una emanación que su madre incubó entre los dientes, después fue un latido viscoso. Después graznó y aulló. Después rió, y hasta la propia Muerte tuvo miedo...Cuando las fuerzas de Misáianes atravezaron el mar que las separaba de las Tierras Fértiles, la Magia y las Criaturas se unieron para enfrentarlas. Éstos son los hechos que ahora narraré, en lenguas humanas, detalladamente."
Ya se pueden imaginar por donde es que va la historia, épico-fantástica-maravillosa, plagada de personajes profundos, de historias duras, de personalidades un tanto ásperas, otras alegres....cada raza tiene su particularidad que está perfectamente detallada en esta historia.
Por otro lado, no me puedo olvidar de los que llegan, de los que tienen la misión de hacer que el sabor de la miel cambie, para siempre...los sideresios, liderados por El Doctrinador Drimus y Leogrós, su lugarteniente.
Pero hay algo más. Hay algo que te atrapa en la historia aparte de la forma en la que la misma está contada por Liliana Bodoc. Tardé exactamente 20 hs. en leer, por primera vez, este primer tomo de la saga. Y es la historia detrás de la historia. Las referencias histórico-culturales que se pueden encontrar a lo largo de toda la saga. Es evidente como "La Saga de los Confines" está atravesada por la historia de la conquista de América, como aborda Bodoc la intertextualidad entre una "simple" historia fantástica y el dolor de la masacre más grande ocurrida en estas tierras. Así, es imposible no ver en Los Hijos del Sol a los Incas, no encontrar en los habitantes de Beleram con sus Astrónomos a los aztecas, o a los habitantes del Tiempo Mágico relacionarlos con los Mayas, y la incógnita sobre su paradero. Evidentemente, los sideresios los podríamos tomar como los invasores que vienen a conquistar y/o destruir a las Tierras Fértiles; inclusive, las enfermedades que empiezan a sufrir los habitantes de estas son aquellas que sufrieron los habitantes del nuevo mundo cuando los europeos llegaron a estas tierras.

Sin ir más lejos, hasta los mapas nos dan una idea de la ubicación y formas de los continentes.
El único defecto que tiene para mi esta primera entrega es que fue terminada a las apuradas, como si el tiempo apremiase, y le resta impacto final a la obra, le resta, sobre todo al final, en los últimos dos capítulos. Asimismo, es imposible no relacionar la obra con dos sagas anteriores similares, "Historias de Terramar" de Úrsula K. Le Guin y "El Señor de los Anillos" de Tolkien.
Aparte de esto, estamos frente a una obra profunda, emotiva, sincera, honesta y que en algunos pasajes emociona hasta las lágrimas. Hasta Úrsula K. Le Guin se maravilló frente a la profundidad de la saga y habló maravillas de Liliana Bodoc.
Háganse un favor y lean esta maravilla de la literatura argentina épico-fantástica, que no hay mucho del estilo por estos pagos dentro del estilo para disfrutar. (Emilia, lee la saga, pedile a tu padre que te compre los tres libros que están hermosos)

20 de septiembre de 2008

Jimi Hendrix "Are you Experienced?" (1967)

negro
No hay mucho que decir de esta hermosura de disco. Fue el debut de Jimi, donde comenzó su corta carrera internacional y donde demostró para las generaciones por venir que se podía "mezclar" de una manera efectiva Funk, Soul, Jazz, Blues, Rock, Psicodelia, logrando un resultado tan espectacular como inigualable. ¿De que me estoy olvidando?. Del pop, componía evidentemente con una mentalidad que entendía a la perfección la cuestión de la música popular del momento, y que sobre todo no tenía miedo de experimentar.
Es uno de los mejores discos debut de la historia, y de la breve discografía de estudio de Jimi. Nos encontramos con una base rítmica capaz de seguir a cualquiera, lo que, me imagino le daba cierta tranquilidad a Hendrix, y mucha más libertad a la hora de componer, ya que sus compañeros de ruta no eran músicos precisamente limitados...
Hay momentos mágicos en el disco, que por gusto personal podría citar: "Purple Haze" , y ese riff inicial que de despliega en unos pocos minutos y la voz de Jimi inundándolo todo. "Manic Depression", demostrando justamente la progresión que permitía semejante base rítmica, desplegando toda la furia que contenía ese maravilloso guitarrista llamado Jimi Hendrix. En "Hey Joe" se comienza a percibir algo que quedará demostrado unas cuantas canciones más adelante: Jimi no solo era un guitarrista increíblemente dotado, sino que es un gran cantante. Y llega "May this be love" y Jimi se recibe no solo de excelente cantante sino de hombre sensible, una gran canción de amor, acaso la mejor de él. Para que voy a hablar de "I don't live Today", un gran experimento guitarrero, donde exprime hasta el límite a sus compañeros de banda, en un viaje psicodélico que preanuncia lo que llegará con "Are you Experienced?".
Pero antes nos encontramos con "The Winds cries Mary", que por no contar con otra palabra más acorde es un blues del carajo, algunos pueden decir que es otra balada, pero es uno de los Blues más maravillosos escritos por el Maestro. ¿Y "Fire"? El título lo dice todo, es lo que tenía Jimi adentro, y que lo consumía, por lo cual necesitaba componer para poder apagar lo que tenía dentro. En "Third stone from the sun", hay una clase magistral de psicodelia mezclada con melodías pop como solo lo había hecho hasta ese momento Cream, la banda de un ídolo de Hendrix, Eric Clapton, aunque esto va mucho más allá, mucho, junto con ese bajo hipnótico que no te suelta en ningún momento...¿Rock Progresivo de los '60?...escuchen este tema y después me cuentan.
Los dos últimos temas son gemas imperecederas de la historia de la música contemporánea: "Foxy Lady" y el increíble "Are you Experienced?", donde se resume, se declara, se manifiesta: ¿Experimentaste?...y la pregunta puede ser la afirmación, después de que el disco termina, ya que estamos frente a la versión americana, sin los bonus tracks...pero si terminaste, ya estas en condiciones de responder, experimentaste la The Jimi Hendrix Experience, unos de los tríos más explosivos de la historia.
¿No me creés? Escuchá el disco, experimentalo, y después dejás algún comentario.

Satyricon "My Skin is Cold e.p." (2008)

Más que interesante e.p. de los reyes noruegos.
Satyricon lo hizo de nuevo muchachos, cuando yo creía que la furia primigenia iba a ser definitivamente abandonada en pos de un sonido no menos intenso, pero si mucho más rockero, Satyr y Frost vuelvan a darle una vuelta de tuerca más a esta ya clásica agrupación y vuelven sobre sus pasos.
Recordemos que tanto con "Vulcano" como con "Now, Diabolical", si bien es cierto que no se transformaron en una banda de Rock N' Roll, sus influencias eran más que evidentes, simplificando muchísimo las estructuras de las canciones y dándoles al mismo tiempo mucho mas gancho: me vienen a la cabeza ahora canciones como "Fuel for hatred" o "K.I.N.G" como ejemplos de esto.
Ahora,no digo que volvieron a hacer "Dark Medieval Times", pero volvieron un poco al sonido de "Rebel Extravaganza", bien sucio, con ese característico sentimiento de odio al que tan acostumbrado estoy cuando escucho a Satyiricon.
Lo que nos presentan acá es sólo un tema nuevo, que abre el disco llamado "My Skin is Cold". A continuación dos temas que aparecieran en el disco "Volcano" del año 2002 como bonus tracks: "Live Through me" y Existential Fear-questions", aquí remasterizadas.
Y como final devastador EL regalo del disco: "Repined Bastard Nation" de "Volcano" y EL HIMNO llamado "Mother North" de "Nemesis Divina", los dos en vivo y acompañados por una orquesta, más el coro del público acompañando en los momentos épicos de este último tema.
Así que si te estás muriendo, o si te diste cuenta de que ya estabas muerto desde hace tiempo, y empezaste a ver a los buitres que revolotean a tu alrededor, es un muy buen momento para que aprietes "Play" en el reproductor y te prepares a ser devorado por ellos con una sonrisa fantasmal en tu cara.

15 de septiembre de 2008

October falls "Marras" (2005)

marras

La conocí de la "peor manera" a esta banda: por medio de una revista. ¿Por qué de la peor manera? Porque por leer a las apuradas, creí entender que era el nuevo proyecto del líder de Empyrium, que retomaba el estilo acústico dejado de lado en "Where at Night the Wood Grouse Plays" allá por el año 1999, pero no, no es así.
Siempre que tenemos que hablar o escribir acerca de alguien interesante musicalmente hablando, indefectiblemente, caemos en este punto del mapa...si...Finlandia. Es impresionante, pero en ese pequeño país que limita con Suecia, Noruega y Rusia tiene una producción abundante de bandas realmente muy buenas que abarcan casi todos los estilos dentro del metal...y por fuera de este género también.
October Falls es un caso raro. Porque aborda estilos de música con la misma solvencia en ambos. Así como toca música exclusivamente acústica, también y con la misma banda Mikko Lehto (el líder y único integrante) de la misma, practica un tipo de Dark/Deth/ Metal interesante.
Este, que es el primero, es un disco realmente corto y que se relaciona con la banda anteriormente citada, siendo las canciones totalmente acústicas y melancólicas. Para entrenar la imaginación se puede hacer el siguiente ejercicio: concéntrese en la portada del disco, con la música bien fuerte (no van a tener ningún problema, no hay estridencias acá), y déjense llevar...déjense acariciar por la dulce y fría brisa que sopla en ese (seguramente) bosque finlandés. Así, mientras nos internamos en ese bello y gris bosque, el sol va cayendo en el horizonte, y el clima se torna un poco, solo un poco más frío...hay que apurar el paso y salir de este hechizo para no caer en las garras de algún lobo que seguramente deambula por el bosque buscando alguna presa. Es una suerte que el disco tenga escasos 32', para no quedar atrapado en este, por las noches, peligroso bosque.
Un solo detalle más que agregar: es una lástima que ya existan bandas como Empyrium o Ulver, ya que la sorpresa que este disco me produjo fue casi nula; de todas formas, la música en si es hermosa vale la pena pegarle una escuchada.

14 de septiembre de 2008

Enslaved "Ruun" (2006)

vikings
Sencillamente una banda increíble. Si les interesa ahondar en el significado de la palabra evolución, progresión o madurez a nivel compositivo, no pueden dejar de prestar atención a la discografía completa de esta agrupación noruega, cuya fundación data del año 1991; o sea estamos frente a una de las bandas pioneras de lo que fue el Black Metal noruego, junto con bandas como Satyricon, Mayhem, Immortal, Emperor, ...In the Woods...lo que se dice la élite del Black Metal (siempre me olvido de Burzum!!).
A lo largo de su extensa vida fueron editando discos que se podrían encasillar dentro del movimiento del Viking Black, que según los entendidos eran unas de las pocas bandas que hablaban con propiedad de aquellos vikingos guerreros (junto con ...In the Woods, agrego yo).
A partir del disco "Monumension" del 2001, algo cambió en la mente de estos noruegos. Algo que les indicó que si a su música le bajaban un poco la velocidad, los matices que se agregaban a la misma serían diversos y variados, como así también el resultado en la composición.
Y así llegaron los 2 discos que más llamaron la atención de la crítica de su discografía: "Below the Lights" del 2003 e "Isa" del 2004, donde las influencias musicales variaron también notablemente, tomando climas de la movida que se iniciaba con bandas como Isis, Neurosis y Cult Of Luna. Y entonces llegó el Black Progresivo (la gran paradoja!)
Esto continúa en "Ruun", y se expande hasta alcanzar proporciones descomunales. A ver. Esto no significa que hallan comenzado a hacer una música más blanda, al contrario. Es muchísimo más intensa, más épica, y más riffera si se quiere. Las canciones sin dejar de ser agresivas, son súper gancheras y te hacen mover la cabeza y la patita casi instintivamente, lo que habla de que encontraron finalmente su "firma", su sonido "definitivo" (¿será definitivo o mutara de nuevo?).
Su música ahora es inmensa, melódica e increíblemente intensa, que te envuelve, te atrapa y te lleva hasta lugares inmemorables, bajo amplios y claros cielos nocturnos donde extraños seres amparados en el poder de los dioses claman por venganza, planean alguna, amenazan a sus enemigos, declaran un odio eterno y/o avisan sobre el poderío de algunos de sus dioses: "Contempla la gran estrella del atardecer, como ella otra vez da vida; contempla la gran estrella del atardecer, como ella de nuevo destruye. Contempla la brillante esposa de los aullantes vientos, ella llega cuando te desesperas, contempla la brillante esposa. Ten cuidado con lo que deseas, ella sonreiría si le quitara todo el poder a los reyes. Ten cuidado de la heredera de la fertilidad cósmica, su esplendor puede cortarte muy profundo, sus ojos pueden quemar los campos."(Heir of Cosmic Seed").
Tené mucho cuidado, una vez que entrás al mundo de Enslaved, podés desconfiar incluso de las estrellas que se encuentran sobre tu cabeza. Y eso es bueno, muy bueno.
Sírvanse entrar.....ya no podrán salir.

7 de septiembre de 2008

León Gieco "Mensajes del alma" (1992)

leon
Dentro del amplio abanico que ofrece el Rock Nacional (en Argentina), hay artistas que son insuperables en lo suyo, una marca registrada: Luis Alberto Spinetta, Charly García (supo hacer musica realmente increíble), Norberto "Pappo" Napolitano (como te extraño Carpo!!), Sumo (a vos también te extraño pelado), actualmente Los Natas y Massacre (que grande el gordo Wallas!!), y obviamente León Gieco.
Acá lo encontramos en un momento único como compositor (secundado por Luis Gurevich y Rogatti). Y los resultados son maravillosos. Uno de los discos más honestos de toda su carrera, a lo que ya estamos acostumbrados por supuesto, pero acá es llevado a otro punto. Tanto la música como las letras están tratadas muy seriamente, con arreglos sorprendentes que dejan al disco en un lugar privilegiado dentro de la carrera de León. Lo que ya es mucho decir, teniendo en cuenta que entre la su extensa discografía encontramos "De Ushuaia a la Quiaca", 0 "Pensar en nada", o sea, hitos dentro de la música popular en la Argentina, ya no solo del Rock.
Y así cuando pasamos a las canciones mismas, nos encontramos con un poeta que sabe pintar las situaciones más dolorosas sin caer en panfletos insoportables, sino que hacen que te quedes callado escuchando lo que está diciendo, lo que siempre caracterizó a las composiciones de León. Tenemos "Los Salieris de Charly", un rap con Scracht y todo, un clásico en si mismo, divertido, que se adelantó al discurso que comenzara a utilizar el poder unos pocos años después para referirse a la juventud y a todo aquel que no pensase igual ("...que nos dirán por no pensar lo mismo ahora que no existe el comunismo, Estarán pensando igual ahora son todos enfermitos, estarán pensando igual ahora son todos drogadictos..."). León siempre se caracterizó por hacer una lectura de la realidad muy particular desde sus canciones, sin dejar atrás la historia no solo de Argentina, sino de Latinoamérica.
Una de las canciones que me sorprendió de este disco es "Halleluja", que creía compuesta por la dupla Gieco/Gurevich, pero resultó ser una canción típica alemana, rearreglada para la ocasión por ellos en formato de "carnavalito".
La canción que le da título al álbum es la perla, es la que le da sentido al disco y la más melancólica y triste de todas, aparte de tener referencias a hechos y/o personas puntuales: como ser la tasa de mortalidad infantil o el asesino genocida de Astiz ("...Son mensajes del alma herida pero bien clara sobre lo cobarde toda la verdad ángel rubio de la muerte de que poco te sirvió el himno, Jesús, la bandera, y el sol que te vio. ").
Podría escribir horas sobre el disco y lo que me produce; por ejemplo la canción "Maestras de Jujuy", realmente hermosa. El final del disco no podria ser más acertado: "Cinco siglos igual"...lo único que se puede decir es que después de la canción, si antes no te pasaba nada con la supuesta "colonización" de América, no te queda otra que odiar la historia oficial y dejar de festejar como un pelotudo el 12 de Octubre el día de la raza.
Entonces, acá tenemos el alma de León Gieco al alcance de nuestros oídos, y eso es mucho.
Disfruten de este hermoso disco y saquen sus propias conclusiones.

6 de septiembre de 2008

Pantheist "Amartia" (2005)

Añadir leyenda
Una continua sensación de vacío, desesperanza, miseria, desprecio por la luz y la alegría. Acá no vamos a encontrar ni un resquicio por donde se cuele la luz...ni el más pequeño, todo es tristeza y desolación...oscuridad absoluta y palpable que se traga toda la luz existente.
Es cierto que, así como algunas bandas extremas de Black Metal, hay que estar en un estado de ánimo muy particular para disfrutar de esto, porque si no te va a parecer todo súper monótono y aburrido. Es lo que ocurre en general con las bandas que pertenecen a este estilo, al Funeral Doom Metal. Si uno no está por lo menos avisado, realmente se pega un embole de aquellos. Ahora, si estás prevenido y tenés la paciencia suficiente como para dejarte abrazar por un manto tan pesado como sobrecogedor, a la larga tendrás la recompensa que estás buscando, esa sensación de que todo está irremediablemente perdido, pero a pesar de todo, lo sobrellevás con una mueca de satisfacción, para hundirte hasta el cuello en la miseria más absoluta.-
Pantheist es una banda belga, aunque actualmente residen en Londres. Aquí nos encontramos con algunos de los músicos más importantes de la escena, que también tocan en Esoteric (un monumento despreciable a los sentimientos funerarios), en Wijlen Wij, Mournful Congregation, Indesinence, todas ellas bandas que hacen un culto de los ritmos ultra lentos y los climas asfixiantes.
Lo que nos regala en esta ocasión Pantheist es un trabajo conceptual sobre los siete pecados capitales, a lo largo de 10 canciones en casi 77'. Afinaciones ultragraves, ciertos pasajes en los que se acercan más al Romantic Doom, voces funerarias con agregados de cantos "gregorianos", que le brindan un clima realmente de terror a la música, y para variar un poco a veces suben las revoluciones y van a las chapas, solo para variar un poco nada más.
En relación a las canciones, todas me parecen increíbles, aunque "Apologeia", que abre la placa, es prácticamente una declaración de principios.
Bienvenidos a la banda de sonido del funeral más soñado, el propio...

5 de septiembre de 2008

Katatonia "Tonight's decision" (1999)

azul
Un disco que me gustó mucho en el momento en que salió, aunque hoy lo veo más como uno de transición, en donde se termina de decidir la dirección a tomar por la banda, que termina de alejarse definitivamente del estilo que practicaban con anterioridad a la salida de "Discouraged Ones", LA bisagra de la banda.
En este disco dejan en claro que no volverán a practicar esa especie de Death Metal Gótico al estilo de "Brave Murder Day"...aunque el sonido todavía se percibe el "Discouraged...". En "Tonight..." no, acá la influencia es otra y hay que buscarla en bandas ajenas al metal, como ser The Cure y Jeff Buckley, es decir, comienza a tomar sonidos que no son novedosos dentro de la música, aunque a la banda le brinde una nueva frescura y le de un significado nuevo a su sonido, mezcla de Dark, Rock y alternativo.

Aparte tiene un plus este disco, y es que tras los parches encontramos a un productor increíble que ya había participado en la banda: Dan Swano, líder de Edge of Sanity, otra banda sueca como Katatonia, que vale la pena escuchar.
Acá tenemos casi 55' de Dark Rock del mejor, con canciones muy sentidas, tristes y melancólicas (el cover de Buckley es hermoso). Podría resaltar por preferencias personales "For my Demons" ("la vida está llena de oscuridad"); "This punishment"; "Right into the Bliss" y "No Good can come of This".
¿Que pasa cuando una banda que realizaba un tipo de metal más bien oscuro, se enamora de las bandas Dark-Pop de los 80'? Si quieren saber la respuesta, tienen que escuchar bandas como Katatonia, Anathema, Tiamat...
La decisión ya la tomaron, y el resultado que se preanuncia en este disco se verá confirmada en la maravilla que editan a continuación "Last Fair Deal Gone Down", hasta tanto a disfrutar con la tristeza de "Tonight's Decision"

3 de septiembre de 2008

Arcturus "Aspera Hiems Symfonia" (1996)

Todavìa recuerdo cuando compré el disco hace ya unos años en la provincia de Buenos Aires. El que me lo vendió me dijo textualmente "está muy bueno, es muy parecido a Cradle of Filth". Evidentemente no tenía demasiada idea del estilo, pero como me gustaba mucho la banda inglesa decidí escucharlo. Y no podía creer lo que escuchaba!...que lejos que estaba de Cradle of Filth, era más épico, más sinfónico, muchísimo menos barroco, y tenía ese toque de frialdad/maldad tan característico de las bandas noruegas.
Otra cosa que me gustó (todavía me gusta) es que tenía una vuelta de tuerca respecto de los temas tratados en los primeros lanzamientos de bandas como Emperor, refiriéndose a cuestiones como el frío invernal, las grises y vastas tierras y el infinito y sorprendente infinito capaz de hacer del pensamiento más impresionante, la pequeñez más absoluta e insondable del mundo.
Las inclemencias del clima del norte de Europa llevadas al cenit del misticismo: la tapa del disco posee una foto (¿o es un dibujo?) de la aurora boreal, tan característica por aquellas latitudes, lo que le da un hermoso marco a la música de estos 5 noruegos, ya conocidos para los lectores del blog. Si a eso le sumamos los instrumentos que aparecen en el sobre interno y la constelación de la contratapa, nos podemos hacer una idea de lo que buscan, de lo que aspiran...
"Aún estremecidos por la grandeza del macrocosmos, pero dándole importancia a los secretos del microcosmos, nuestras aspiraciones son infinitas".
Garm, Carl, Skoll, Sverd y Hellhammer ya realizaron unos cuantos discos clásicos, lo que es una forma de alcanzar la eternidad. Y este disco es uno de esos discos clásicos. Bienvenidos a las "Ásperas sinfonías invernales".
Aquí

1 de septiembre de 2008

Deathspell Omega "Kenose "e.p. (2005)

wow
Deathspell Omega es una banda rara. Empezó haciendo un Black Metal bien primitivo que por momentos rozaba el Viking, y en algún momento se cansaron y comenzaron a experimentar, alejándose de aquel estilo y acercando ciertas otras influencias que favorecieron muchísimo a las texturas y colores de las canciones, volviéndolas más oscuras y tortuosas.
Estos franceses pertenecen a una nueva camada del Black, que no tienen ningún problema de mezclar sus influencias del Black Metal noruego (Burzum y Mayhem sobre todo), con sonidos más relacionados con el espectro industrial, doom y ambient, dando por resultado obras en extremo corrosivas pero con cierto toque de oscuridad y melodía que resulta por demás perturbador: así tenemos bandas como Mutiilation y Blut Aus Nord, que junto con la que ahora me ocupa, pasan de la furia blackmetalera a los ritmos tortuosos del industrial más oscuro y retorcido.
Sin embargo, hay una característica que diferencia a Deathspell Omega de sus compatriotas, las letras. Leyendo detenidamente las letras de las canciones (bastante extensas en este e.p.), encontramos referencias ineludibles a la biblia, con ciertos pasajes que no hacen sino resaltar el clima opresivo que la banda pretende transmitir. Estas referencias bíblicas no se relacionan con un punto de vista cristiano, sino todo lo contrario: utilizando inteligentes relecturas desde las filosofías más nihilistas, se posicionan como una especie de enemigos del cristianismo con un fuerte contenido y compromiso filosófico, no solo la típica agresión de bandas como por ejemplo Deicide. No. Acá encontrarán fundamentos filosóficos para aquellos que están en contra de dicha religión y no saben como expresarlas (para todas las religiones en realidad).
Un e.p. de transición, realmente difícil de escuchar, 3 canciones en 36'19''; pero una vez que te adentras en el apocalíptico mundo de Deathspell Omega, ya nada es lo mismo....y no podés dejar de escucharlos. Lo cual no deja de ser todavía más perturbador.